miércoles, 10 de abril de 2013

Oz (o como volver al fascismo)




En los años en que comenzó el cine a color, se realizo una adaptación de un libro clásico, pensado para niños pero que también tiene su mensaje de viaje arquetípico. En este caso estoy hablando del libro y la respectiva película “El mago de Oz”. Dorothy es una joven cansada de su aburrida vida en Kansas, su deseo es el de aventuras. Pero la Dorothy del film debe aprender que a veces el lugar no es tan importante como la propia construcción del individuo. Es por eso que en su travesía en el mundo de Oz, la acompañan un león cobarde, un espantapájaros oligofrénico y un hombre de hojalata sin corazón. Su conexión con el mundo real, está representada en Toto, su fiel perro mascota que la acompaña hasta el mágico mundo de Oz y la advierte de los peligros.



Tanto el libro como la película son parte del imaginario colectivo, el mundo de Oz comparte fama con otros mundos fantásticos como el país de las maravillas y nunca jamás. Están en el mismo plano de fantasía infantil pero también de adultos que no son tan adultos.
El año pasado se filmo una película dirigida por un ahora irreconocible Sam Raimi, otrora director de grandes ejemplos del cine de terror y fantasía, ahora se presta para que la maquinaria infernal y fascista de Disney haga pedazos todo el sentido de la obra del mundo de Oz para presentarnos un mensaje tan vacio como los fondos verdes donde los actores realizaron toda su actuación. Es un poco patético pensar en la frialdad tecnológica de ver a un James Franco actuando como si estuviera hablando con un mono alado simpaticón. La película comienza con el mismo truco del blanco y negro, tal cual la original y cuando el mago de Oz llega hasta el lugar que se convertirá en su reino todo es color, fantasía y muchos efectos especiales fríos y ya vistos en otras películas que han abusado y recontra abusado con el 3D y las flores gigantes.



No es secreto para nadie que Disney es una máquina de hacer películas ideológicamente cuestionables. Yo mismo comprendo la razón imperialista detrás de sus conciliaciones y sus personajes que son buenos y malos sin matices. Al ver en todo caso lo que han hecho con el mundo de Oz, da un poco de rabia y vergüenza. Una película que antes pudiera hablar contra el conformismo, el aprender a usar la cabeza, el corazón y el coraje para enfrentar los problemas, ahora se presta para un show pirotécnico sin ninguna gracia. Los esclavos son animales, son negros, son enanos y son raros. Las brujas son hermosas, pero es una mascarada, porque en el mundo Disney los malos siempre son horribles, porque es el imaginario que siempre han planteado, malos de cabello moreno, buenos-buenos de cabello rubio o al menos con una simpatía y una bondad en el corazón que los hace infinitamente superior a sus enemigos, siempre egoístas y sin causa social.

En un momento de la película realmente conmovedor, vemos un personaje de porcelana que ha perdido a toda su familia y sus piernas están rotas. El mago interpretado por James Franco le repara las piernas con un pegamento especial. E inmediatamente el personaje antes querido, se vuelve otro de sus acompañantes en el viaje para vencer a la malvada bruja, ganándose nuestra aversión por ser el típico personaje infantil de Disney que es siempre pillo, dice cosas punzantes y se sale con la suya en base a su creatividad. Una mentira que Disney ha planteado desde sus orígenes. El ideal de una nueva familia se presenta en base a personajes de todas las razas y formas, incluso animales, pero siempre con bondad en sus corazones.




Otro momento clave de la película es la transformación de la bruja, antes hermosa e interpretada por Mila Kunis en un ser repulsivo, con su típica risa que es la que vemos en el film original. Quizás un buen momento, dentro de un film horrible, pero desaprovechado. Ya que es tan absurdo como se configuran los personajes, que los malos (como vienen haciendo desde el Retorno del Jedi) tiran rayos por las manos. Obvio.
Hay una serie de imágenes patéticas y horripilantemente nazis en la película. Como los niños rubicundos rodeando a la bruja buena. La blonda les lee un mensaje de amor, paz y prosperidad y uno puede creer que está viendo una postal de Colonia Dignidad o las juventudes Hitlerianas. El personaje de la bruja buena, es tan vacio de profundidad como las campañas políticas de este país. Todos los personajes en realidad están vacios de profundidad. El mago no parece aprender otra lección que aquella de “confórmate con lo que tienes”



No es que uno le exija a una película que sea un manifiesto de honorabilidad. Pero la manipulación constante de mensajes como el que nos entrega Oz es despreciable y no es para nada inocente, pese a que la película sea para menores de edad, con mayor razón los riesgos que se corren al exponer a los niños a estas imágenes y estos discursos pre-fabricados es doblemente horrible.
Ya para terminar, porque tampoco hay mucho más que agregar sobre Oz y su pedantería fascista, el largometraje dura dos horas y algo más, lo que lo hace mas odioso y por supuesto, menos recomendable. 

sábado, 10 de noviembre de 2012

La Basura de Waters






Volviendo a escribir sobre películas. Les advierto que mi retorno trae consigo una ola de basura y podredumbre. Esta vez quiero hablarles de una basura, de las que yo no estaba muy acostumbrado. Mi paladar estaba mal acostumbrando a películas con muchos premios y que después todos olvidaron. He tenido que forzosamente comprender que seguir esos derroteros es inútil, que la basura como esta de la que les hablare hoy es en realidad una joya que debe ser revivida cada cierto tiempo.

Estaba hablando con Vittorio Farfán, como casi siempre le hacia preguntas idiotas y esta vez le dije:
— Aun  no he visto mucho de John Waters.
— Esta malo eso — sentencio el hombre de los lentes de sol eternos.

Entonces dije que me pondría manos a la obra… pasaron como seis meses desde ese dialogo y la verdad es que me he dedicado a muchas cosas en ese lapso de tiempo; menos a ver cine que era lo principal. Un día agarre (descargue) la película “Desperate Living” (1977), de la cual no tenia idea de su argumento. Inmediatamente me prepare para adentrarme en una película tan bizarra como inteligente.




Desperate Livings cuenta la historia de… ¿de que mierda? De nada en particular, es una metáfora de la sociedad marginal, en un ambiente hostil, decadente y miserable hasta rabiar. No es que pretenda buscarle la quinta pata al gato. Hace rato perdí mis pretensiones intelectuales. La película es tan buena que no se puede entrar demasiado en detalles sin abusar de un lenguaje analítico y posmoderno (la película en si no es posmoderna hasta cierto punto)

Comenzamos con una mujer completamente histérica. Victima de desordenes mentales y completamente manipuladora. Una empleada/enfermera que le roba al esposo de la mujer que vimos antes. Entonces ambas asesinan por accidente al marido y salen huyendo. Ahí se encuentran con un policía desviado sexualmente que les da besos y se pone su ropa interior por sobre su uniforme de policía. Entonces las mujeres huyen hasta un pueblo maloliente, rancio, asqueroso. Aquí quiero destacar el buen trabajo de ambientación que se logro con tan pocos recursos (la película costo casi nada en comparación al trabajo que se hace en Hollywood) Este pueblo de pura basura, recoge los desechos humanos y son sometidos a un régimen fascista-monárquico de una señora gorda asquerosa y pervertida. Sus tenientes no son otra cosa que homosexuales disfrazados con cuero y látex y asesinan y atormentan a la gente del pueblo con leyes tan absurdas como “el día de caminar de espaldas”.

Desperate Living es una película con varias lecturas. Por una parte tenemos que tener en claro que no es una narración convencional. Si bien respeta el hecho de tener un principio, un desarrollo y un final, nada de eso tiene mucha importancia. Comenzamos con un protagonista y luego cambiamos a otro. También hay toda una lucha ideológica presente en la película  que clarifica muy bien un conflicto que aun estamos viviendo. Ricos y Pobres.



Es interesante también anotar dos cosas de la película. Una de ellas es la presencia de simbología fascista degenerada (pinturas de Hitler y todos los excesos pervertidos de los homosexuales serviles de la reina) y el enfrentamiento de las lesbianas contra estos mismos homosexuales masculinos. Una suerte de enfrentamiento al régimen falócrata.
La película es de la primera etapa de John Waters y eso se nota. Repite a muchos de sus actores de siempre y la antiestética de su cine-basura. Es maravillosa y creo que formadora hasta la medula, ya que nos deja muchas enseñanzas importantes que cada uno puede interpretar como quiera. Me quedo sobretodo con el principio que es brutal en humor negro y con el final que es impactante en imagen. Se comprende en la estructura y trabajo de la película, muy bien una frase que dijera Henry Miller: Si empiezas con tambores, termina con dinamita.



miércoles, 4 de abril de 2012

El Hombre de Mimbre



Todos tenemos una larga lista de películas “por ver”, en mi caso particular la lista va cambiando constantemente porque siempre van apareciendo mas en el camino y que se hacen mas urgentes. En el caso de la película de la que hablare ahora, hace rato estaba pendiente pero me puse en campaña para verla y así tener algo de que hablar. El hombre de mimbre, es una película inglesa de culto.

Muchos han hablado antes sobre este film, seguirán haciéndolo también en el futuro. Yo quiero centrarme en su aspecto setentetero, el uso de zoom y sobretodo en uno de los temas de la película: la religión.

La película tiene una historia sencillísima. Se nos presenta a un policía muy correcto, que tiene una bella novia a la cual respeta mucho y que es virgen ya que espera el matrimonio. De un momento a otro recibe una carta anónima sobre la desaparición de una niña en el pueblo de Summerisle. El policía parte en avioneta al pueblo, encontrando que nadie reconoce a la niña, por lo tanto su desaparición. Todos le van con evasivas. El pueblo es un lugar extraño, donde viven de una forma pagana, viven de las frutas y cultivos, todos viven el sexo de una forma natural y despreocupada. Nuestro protagonista se horroriza ante esto, en cada oportunidad que puede le recalca a los isleños que viven como unos paganos herejes. En mi opinión eso es pésima idea cuando estas solo en un pueblo que no respeta otra ley que la de Lord Summerisle, interpretado por el gran Christopher Lee.

Al cabo de un buen rato de película y que el policía sigue pesquisas que no le llevan a ninguna parte, se entera de un viejo ritual en el cual estos paganos hacen culto y tributo a los dioses del mar, del aire y la tierra. El cual siempre termina con el sacrificio humano. Cae en la cuenta de que quizás la niña no esta perdida ni muerta, si no que atrapada por estos tipos y le roba el disfraz a uno para participar del ritual.

He resumido bastante de que va el film para hablar de cosas más interesantes. La película en si no es perfecta, quizás eso sea lo mas interesante y que ha permitido que se vea hasta el día de hoy con tranquilidad. Las apuestas visuales son interesantes, el director en verdad sabia donde poner la cámara, aunque el montaje es extraño a rabiar, lo que le termina de dar ese toque de locura.

El hombre de mimbre, es una figura gigante de…un hombre de mimbre, donde finalmente meten a nuestro protagonista para sacrificarlo quemándolo vivo junto a varios animales. La religión del policía no pudo contra el salvaje paganismo de los isleños.

Ocurre algo interesante entonces al ver El hombre de mimbre, es bien sabido por todos que la iglesia católica persiguió y asesino millones de personas en su nombre, también quemaban supuestas brujas para hacer la orden de Dios. Todo eso es entupido y deleznable (como dicha religión en general). Aquí los paganos fanáticos de sus supersticiones hacen lo mismo. Y es que finalmente nadie tiene nunca razón en términos de religión.

El 2006 se realizo un remake a cargo del director Neil LaBute. No lo he visto. Dicen que la película es pésima, y en youtube pueden encontrar varios videos para demostrarlo, incluido un trailer en tono de comedia. Lo único que puedo decir es que Neil LaBute me cae bien aunque haya hecho la estupida Lakeview terrance, creo que la Enfermera Betty es una locura que vale la pena.

Para terminar, El hombre de Mimbre es una película de culto, clasica y que se deja ver hasta el día de hoy. Es de los 70’ y eso se nota en términos de estética y cámara. Con pocos recursos logra inquietar y poner en dudas morales al espectador.  

miércoles, 25 de enero de 2012

Septiembre (Woody Allen)





Se suponía que escribiría sobre alguna película de dudosa calidad. Pero como dicen por ahí que no hay que seguir las reglas, aunque sean autoimpuestas, he decidido escribir sobre un film dramático y olvidado.

Diez años después de la comedia que lo coloco realmente en el mapa de los respetados cineastas internacionales, el señor Woody Allen dirige “Septiembre”. Un drama en donde toda la acción ocurre durante un fin de semana. Ya había incursionado por primera vez en un drama realmente duro e inolvidable llamado “Interiores”, filmado con una tranquilidad desconocida anteriormente en las frenéticas y absurdas comedias que estaba realizando, mas cercanas al sketch y al humor slapstick.

Septiembre es de esas películas que ha filmado elegantemente. Con una cámara que se mantiene observando a los personajes, siguiéndolos con mucha estabilidad, con un uso constante de la panorámica y el zoom. A diferencia de otras películas del realizador, sobretodo aquellas de los 90, donde la cámara esta casi constantemente en movimiento en manos del operador.

Como casi todas las películas de Allen, esta es una película muy de teatro, y de mucho dialogo. Las actuaciones son fundamentales, apoyadas en un gran reparto que incluye a su ex esposa Mia Farrow y Sam Waterson (para los que no lo conocen el tipo de “La Ley y el Orden”). Otro tema que yo destacaría es el hecho de que es una de sus películas mas oscuras en termino de fotografía, casi toda la segunda parte del film ocurre en la penumbra de una noche de cortocircuito, por lo que los rostros están iluminados parcialmente con unas pocas velas. 

Muy en la linea de Allen, también esta el hecho de los temas que trata la película…importante detalle, aun ni siquiera hemos hablado de que trata, alla vamos:

Septiembre cuenta la historia de Lane, una mujer con muchos dramas existencialistas. Stephanie (Dianne Wiest), su mejor amiga va hasta la casa de Lane en el campo para cuidarla. Su madre Diane (Elaine Stritch) viaja también junto a su actual pareja (Jack Warden), también esta el profesor de francés de Lane, Howard (Denholm Elliot). Y claro, el enamorado de Lane que a su vez esta enamorado de Stephanie, Peter. Bueno, el problema de estos personajes es que cada uno tiene intereses opuestos a los de los demás. Se forma un cuarteto amoroso, ya que Howard esta enamorado de Lane, pero ella ama a Peter, el cual ama a Stephanie…finalmente nadie se queda con nadie. Como suele suceder en las películas del señor Woody.



En una entrevista Woody Allen comento que el solía hablar de la clase burguesa del Upper West Side de Nueva York, ya que el pertenece a ellos y les causa risa y pena. Septiembre no es otra cosa que un drama de pequeño-burgueses y sus intrigas. Gente que es incapaz de superar el pasado y ser feliz (Lane), un tema recurrente en sus películas.

Me parece que es injusto el trato que recibió esta película, siendo de las más olvidadas de su director. Curioso es que tuvo que filmarla dos veces, y reescribirla completamente, además de cambiar a todo el casting. ¿Habrá valido la pena?  Eso no tiene una única respuesta,  cada uno que vea la película y encuentre lo que quiera.

También se plantea otra pregunta ¿es valido el cine de problemáticas pequeño-burguesas para otros pequeño burgueses? ¿O en eso reside la maestría de Woody Allen? ¿Existe algo similar en Chile? Pienso en la película “Seis” (Cristian Lecaros y Rodrigo Duque) y los conflictos de sus protagonistas…

viernes, 11 de noviembre de 2011

The Human Centipede


Ver una película como el cienpiés humano no es facil. No es que sea compleja o densa, pero su puesta en escena es tan formalmente fria que incomoda.

Es absurda tambien, y con mucho humor negro. Principalmente entregado en bandeja por el personaje central de esta historia. El muy nazi Dr. Heiter, quien en el pasado se encargaba de separar siameses. Dos chicas americanas quedan perdidas en el bosque en una noche de tormeta y llegan a la casa del Dr. Este las droga y las amarra a unas camas hospitalarias para describirles la operación de la que seran parte. Un experimento que va más allá de los límites de la ciencia. El Dr. Heiter separaba humanos, ahora quería unirlos.



Humor negro, nada más. El doctor acariciando la foto de tres perros que anteriormente había unido sin resultados positivos. Ahora lo intentaría con estas dos jóvenes y un oriental. El experimento del cienpiés humano. Unir a las personas de la boca al ano. Fantástico. El horror llevado al extremo, sin dejar de lado un sentido del humor enfermo, voyerista y propio de los tiempos. El doctor Heiter intenta domesticar al cienpiés humano como si fuera un perro. Le tira el periódico para que se lo traiga de vuelta. Le da comida en un plato en el suelo. Pero ¿Cómo se alimentan las chicas que están con sus bocas conectadas al recto de otro ser humano? Ya pueden imaginarlo.



Los policias no tardan en aparecer, dos detectives que buscan a los turistas desaparecidos y que a todas luces no son muy brillantes. Digamos que si alguien me amenaza con una jeringa no lo dejaría escapar tan fácil, pero estos detectives se atienden a las reglas. Ambos vuelven para investigar el espacio de trabajo de Heiter, pero en una complicada escena todos mueren. Los policías y el Dr. Heiter (de un hermoso balazo en la cabeza). También el oriental que era la cabeza del cienpiés muere con un corte que se hizo el mismo en el cuello. La joven que va más atrás, también muere por envenenamiento de la sangre. Solo queda una con vida, la que esta al medio de dos fiambres.

Muchos dicen que es una pésima película. Yo a todos esos les digo ¿Su primera película causo tanto revuelvo? O simplemente ¿Le hicieron una versión pornográfica (The Human Sexipede)?

Suerte con el Cienpiés humano 2, que parece que en términos de lenguaje es mucho más jugada e interesante, así como los personajes…más bizarros no creo que se pueda.  

Protagonista de la segunda parte

sábado, 3 de septiembre de 2011

La muerte de Pin8


El ultimo documental realizado por la dupla Perut-Osnovikoff, y que aborda desde 4 personalidades e ideologías distintas el día en que murió el general Pinochet, es un verdadero placer cinematográfico.



Desde el punto de vista de la imagen, su tratamiento es interesante, hermoso y también chocante en algunos determinados planos. Los realizadores, buscan darle un giro interesante a la típica entrevista de sus personajes. A los cuales, prácticamente no vemos en ningún momento hablarnos “cara a cara”, vemos un plano cerrado de sus bocas, dejándonos ver durante varios minutos, sus dientes, lengua, saliva, etc.

El documental esta abordado desde cuatro perspectivas humanas e ideológicas diferentes. Por un lado se nos presenta a un fanático rabioso de la figura de Augusto Pinochet. Una señora que gracias a la dictadura, pudo conseguir un puesto de flores donde trabajo varios años. Un cuidador de autos alcohólico y sin ideología clara. Finalmente, un hombre que ha dedicado su vida a la lucha política en el Juntos Podemos. Lo interesante de estos personajes, son precisamente sus diametrales diferencias fisiológicas, humanas, estéticas y sicológicas. Son casi un prototipo de persona. Mientras que el fanático de Pinochet, es un tipo alto, delgado y con una ligera calvicie, bien vestido y de una condición económica acomodada; el retractor es gordo, con abundante barba y cabellera, y de un vestir popular. Mientras la señora que tiene su negocio de flores, es la típica pequeño-burguesa e ignorante, el borracho, también ignorante de las cuestiones sociales es un estereotipo de borrachín del pueblo. Estos personajes, configuran el relato y le hacen avanzar desde el día en que la salud de Pinochet entra en crisis, hasta algunos días después.



Hay algo interesante en toda esta historia, y es algo que los realizadores vienen tratando también en su documental “Un hombre aparte”.  La soledad de los personajes. Hablan por teléfono, se comunican con el resto del mundo, suponemos que tienen familia o alguien que se preocupe de ellos, pero todo eso no queda mas que en un enunciado, algo virtual, ya que incluso la escena en que el fan de Pinochet asume la presidencia de una agrupación que busca mantener viva la llama del Gobierno Militar, parece como si los personajes no estuvieran ahí, fueran solo parte de un decorado. Por su parte la mujer de las flores, habla varias veces de su hija, pero al principio solo la vemos acompañada de sus mascotas, siendo su familia un elemento completamente invisible. El anciano de izquierda, habla de la lucha social, pero todo el tiempo esta solo, con su vestuario estrafalario, en distintos escenarios de su casa y la Moneda. Luego cuando decide convertirse en el viejo pascuero para ir a las protestas, también esta solo, con algunas personas que se le acercan para tomarse una foto con él. Ese mismo personaje, participa de la movilización, pero el encuadre lo muestra solo, vociferando un discurso contra los fascistas que propiciaron el golpe. Finalmente el personaje alcohólico, el mas marginal de todos, es también el mas solitario, comienza su día con 3 botellas de vino, y termina su participación en el documental, fumando un cigarrillo, bebiendo y cantando una canción de Camilo Sesto (amor amar), un gran detalle, esos momentos que el documental entrega a sus realizadores.



Respecto a la puesta en escena, es muy sobria, y la iluminación esta muy cuidada. Los encuadres son interesantes, y como ya habia mencionado, el hecho de que los personajes no esten hablando directamente a la camara, como en la mayoria de los documentales ayuda a darle un tratamiento intenso, en los momentos en que casi como fotografías guardan silencio y los vemos en su magnitud solitaria. 

Los fachos quedan mal parados nuevamente, pero no por manipulaciones truchas, simplemente porque ellos mismos son incapaces de quedar/caer bien.

grupo de fascistoides apoyando al agonizante ex tirano


¿Cuál es la sensación que deja el documental? Bueno, de partida no hay una visión dominante, al estar tan fragmentado el discurso de sus cuatro personajes, cada quien es libre de sacar sus conclusiones. ¿Será verdad que la perdida de la señora de las flores de su puesto, es una persecución política? ¿En que cambio la vida de los personajes luego de este evento?

Las conclusiones son personales, así como el odio o la admiración que se siente al hablar de alguien como Pinochet.  


domingo, 21 de agosto de 2011

El Espejo del Cine Chileno


Comentarios del libro "El Espejo Quebrado"

Me tarde un tiempo en leer completo el último libro de Alfredo Barría Troncoso. “El maestro”, -como me gusta llamarle- se plantea un tema difícil, pero que con un gran manejo de la prosa, convierte en un verdadero viaje a los tiempos que el texto va desglosando.

“El espejo quebrado”, no es simplemente una revisión superficial de la principal producción cinematográfica chilena realizada entre los años de la Unidad Popular. Alfredo Barría también hace un viaje al pasado y vividamente describe sus propios recuerdos, con tanta frescura que los sentimos en la piel. Mientras por una parte, cada capitulo analiza una parte del cine chileno hecho durante esos años, al final del capitulo se hace un flashback, que quizás el mismo autor no se planteo en un principio, pero que añadió como un punto a favor de la narración y aprovecho como antecedente de: un partido (Izquierda Cristiana), un momento social (días antes del golpe militar de 1973)  y una experiencia personal.

Algunos dicen que ya esta bueno hablar siempre de lo mismo, que la dictadura ya pasó, que como jóvenes no la vivimos y debemos dejarla en el pasado. Chile, es un país con muy mala memoria. Si bien existen muchos temas de que hablar, creo que este libro es importante en cuanto rescata una discusión a la que probablemente no se le ha tomado el peso correcto: ¿Qué implicancias tuvo la dictadura sobre el cine chileno? No es que el libro se centre en eso, pero si da para pensar. La realidad social y cinematografía contemporánea ayuda a determinar un paradigma que se vive, se ve en las pantallas, se siente como un fantasma de las circunstancias. Ese debate esta pendiente.

Si de criticar se trata quizás lamento la ausencia de mayor profundizando en los flashback, aunque claro, no son el tema del libro, pero se les extraña incluso más que los a veces fríos análisis de películas que ni siquiera existen mas que como antecedente escrito. Por otro lado - y esto es sumamente personal- discuto la visión política demasiado amistosa con Allende.

Para todo aquel que quiera dedicarse al cine, y no lo digo solamente para aquellos que quieran ser (como yo) realizador, es importante conocer lo más posible esta profesión en todas sus áreas, su historia, su técnica, sus posibilidades narrativas, entre tantas cosas que no podemos dejar de lado. Es por eso que leer libros como el de Alfredo Barría es un agrado y también un deber, en cuanto nos cuentan una historia que como chilenos debemos recoger, estudiar y comprender. No es exclusiva de la Unidad Popular esta idea de convertir el Cine en una fuerza ideológica comprometida y militante. Por el contrario, quizás el Cine este mas cercano al capitalismo como modelo de producción, marketing, intereses netamente comerciales. Los futuristas italianos también plantearon un Cine futurista.  Sergei Einsenstein también creyó que el Cine era el modo de comunicar ideas del futuro. ¿Qué vendrá después?

Alfredo Barría Troncoso ha generado un libro que pasara a la historia no sin afectar de alguna manera a sus lectores. Espero firmemente que mas personas lean el libro, sobretodo los realizadores, audiovisualistas, y demás personas interesadas en el llamado “séptimo arte”.